Las siguientes exposiciones se contemplan, como hemos señalado en el texto introductorio, dentro del marco de colaboración de LAVAC con València Capital del Diseño 2022. Esta selección responde a los criterios impulsados por New European Bauhaus (NEB) desde amplias perspectivas creativas. Sostenibilidad, inclusión y diversidad, participación y colectividad o innovación, entre otras, son cuestiones tratadas por el programa de exposiciones y actividades plateado por las galerías, cuya selección destacaremos aquí según un programa mensual.
JUNIO 2022
- Galería Alba Cabrera. Diásporas naturales. Tatiana Blanqué. 05.05—04.06
- Galería Cànem (Castellón). Cuando el paisaje estremece. Antonio Alcaraz. 30.04—02.07
- Galería Jorge López. Monumento. Matías Ercole. Hasta el 17.06
- Galería Luis Adelantado: Roto Abierto. Mercedes Azpilicueta, Esperanza Collado, Marius Engh, Ana Martinez Fernández, Monica Mays, Alex Reynolds, Alfredo Rodríguez, Victor Santamarina, Yann Sérandour, Reme Silvestre, Álvaro Urbano, Kristin Wenzel y Leticia Ybarra. Hasta el 30.08
- Galería Rosa Santos. …de la crisis al riesgo…(2017-2022). Mira Bernabeu. Hasta el 08.07
- La Mercería. Scapeland. Pedro Kouba. Hasta el 17.06
- Set Espai d’Art.
- Animal lámina. Isidro Ferrer. 01.04—04.06
- Solastalgia. Diana lelonek. 17.06-30.07
- ACTIVIDADES. Charla “La relación de Arte+Artesanía+Diseño” con Manolo Martín. 10.06 a las 19:00h
- Shiras Galería. El tiempo suspendido. Carlos Sebastiá. Hasta el 30.08
- Galería Vangar. La repetición. Pol Pinto. Hasta el 25.06
- Galería Thema. Un discurso fuera de contexto. Eugeni Simó y Ángel Celada. Hasta el 02.07
GALERÍA ALBA CABRERA. Diásporas naturales. Tatiana Blanqué. Hasta el 04.06
Con el proyecto Diásporas naturales, Tatiana Blanqué plantea un acercamiento al paisaje para visualizar su fragilidad. Los conflictos entre lo urbano y, por contraposición, lo natural marcan la deriva de un grupo de pinturas y trabajos sobre papel en los que la artista se aplica con diferentes técnicas. Líneas, manchas, salpicaduras y goteos pasan de las telas al papel, para acabar adhiriéndose a unos guantes de látex y expresar, así, la precariedad del medio natural.
https://albacabrera.com/exposiciones/
Después de muchos años observando la naturaleza, durante un viaje a la Patagonia, me di cuenta de su importancia, su inmensidad, su poder, su capacidad de adaptación, su majestuosidad y el respeto que ésta tiene por su entorno. La naturaleza sigue adelante, se readapta, se reconstruye. Así comenzó mi viaje artístico entorno a ella».
Representaciones simbólicas de línea y manchas. Salpicaduras que se convierten en gotas faltas de un valor semántico en sí mismo, pero que convenientemente dibujadas y combinadas convierten una definición gráficamente visual de lo que se quiere expresar. Texturas orgánicas en su máxima expresión. Una explosión de voluntad expresiva que se topa con la dura realidad de una grafía controlada, guiada y deseada, simple pero contundente. Los árboles como nexo entre el mundo terrenal y el espiritual, la luz, el color, la libertad, nos guían hacía unas escenografías a medida, donde poder perderse en un submundo paralelo. Una necesidad en esconderse, un no querer desvelar todo.
Deberíamos desnudarnos ante el mundo? No! Un cortinaje de lágrimas y ramas, que sólo dejan entrever, lo que uno quiere. Un filtro donde la mancha da paso a las formas naturales, convirtiendo la improvisación en intención.
El color toma el protagonismo, es la nueva sangre de la esperanza, es la fuerza del sol, en definitiva, el poder de la naturaleza. Es la construcción de nuestro nuevo hogar, es saber convivir de manera sostenible consiguiendo así la transformación de nuestra sociedad!
GALERÍA CÀNEM (Castellón). Cuando el paisaje estremece. Antonio Alcaraz. 30.04—02.07
Antonio Alcaraz recurre a la arqueología industrial para cartografiar nuestro entorno, el espacio del abandono. Un territorio sometido a transformaciones constantes en el que la arquitectura muestra su mayor fragilidad entre desechos y ruinas. Para este proyecto recurrió al eje minero de la comarca Norte de Jaén: Linares-La Carolina, cuya contemplación se escala a otros lugares, los de la condición contemporánea. Diferentes lenguajes y materiales (fotografía, pintura, grafito, metales y plásticos) se amalgaman para diagnosticar la desaparición del patrimonio industrial.
Antonio Alcaraz presenta una visión contemporánea de la Arqueología industrial del eje minero de la comarca Norte de Jaén: Linares-La Carolina, espacios improductivos, arquitecturas en desuso que han dejado su huella cuando el paisaje estremece.
“Antonio Alcaraz hace de la industrialización el tema protagonista de su objeto y acto artístico. Juega con la yuxtaposición articulando diferentes lenguajes y diferentes materiales: superpone imágenes fotográficas, perfiles de texturas planas e interviene de manera gestual sobre el conjunto; utiliza materiales tradicionales [aceite, grafito, barnices] y materiales producto de la propia industria, como los metales y plásticos, consiguiendo variedad de formas, matices, transparencias, escalas, veladuras que enriquecen y hacen versátil su obra.
Su cámara recorre lugares y paisajes industriales, arquitecturas abandonadas y vacías que han dejado su huella en el paisaje. Dota a la imagen industrial de un nuevo valor estético, revalorizando el patrimonio perdido y resaltando sus características originales”.
Inmaculada Aguilar Civera
GALERÍA LUIS ADELANTADO. Roto Abierto. Mercedes Azpilicueta, Esperanza Collado, Marius Engh, Ana Martínez Fernández, Mónica Mays, Alex Reynolds, Alfredo Rodríguez, Víctor Santamarina, Yann Sérandour, Reme Silvestre, Álvaro Urbano, Kristin Wenzel y Leticia Ybarra. Hasta el 30.08
A partir de la idea de enredo, la exposición Roto Abierto, comisariada por Cristina Anglada, presenta a muy diversos artistas y soportes con obras también de muy diferentes técnicas diversas y soportes (textiles, esculturas, objetos, fotografías, instalaciones y piezas audiovisuales). Reflexiones sobre la naturaleza, la construcción de la verdad, ficción y realidad, la vulnerabilidad del cuerpo, junto al cuestionamiento de los procesos de creación y la fragilidad de sus narrativas, son sólo parte de las múltiples vías de exploración que presenta esta exposición.
https://www.luisadelantadovlc.com/actual/
GALERÍA ROSA SANTOS. …de la crisis al riesgo…(2017-2022). Mira Bernabeu. Hasta el 08.07
El artista Mira Bernabeu presenta el proyecto …de la crisis al riesgo…(2017-2022) para abordar cómo la cotidianeidad se convierte en un lugar doblemente vulnerable y expuesto ante determinadas situaciones, como el de la pandemia. Sus fotografías, a modo de collage, muestran un diario en el que se dan cita referencias múltiples y dispares. Eslóganes procedentes de medios de comunicación y panfletos publicitarios, décimos de Lotería o resguardos de compra, entre otros recursos, constituyen el acervo con el que el artista data irónicamente una posibilidad de rebeldía ante una voluntad diezmada por el efecto abrasivo de la comunicación.
https://www.rosasantos.net/exposiciones/exposiciones-valencia/
SET ESPAI D’ART. Animal lámina. Isidro Ferrer. Hasta el 04.06
A modo de gabinete de curiosidades, el diseñador Isidro Ferrer plantea en esta exposición un gran mural realizado por con todo tipo de técnicas (ensamblajes, collages, dibujos, etc.), dispuestas para dar caza a un universo de seres de fábula. Un animalario que no es otro que el que da cabida a nuestros modos de vida y formas de relacionarnos con el mundo, el de la extrañeza.
Diseñador e ilustrador por «devoración», como él se define, en sus trabajos las imágenes juegan con distintos sentidos, plantea una mirada sorprendida hacia lo cotidiano para descubrirnos fragmentos de
la realidad muy familiares y reconocibles para todos, al tiempo que intensamente extraños.
De la misma manera desordenada que en los gabinetes de curiosidades se presentaban partes de los reinos animal, vegetal y mineral con el objetivo de mostrar la diversidad del mundo, un gran collage cubre las paredes de la galería formado por piezas realizadas por Isidro Ferrer en distintos momentos, para el diseño de algún producto o sin ningún fin, solo por la necesidad del hacer. Realizadas con distintos soportes y técnicas, vamos descubriendo pequeñas esculturas, delicados objetos, dibujos, ensamblajes, collages, carteles donde los protagonistas son los animales, un mundo animal que surge de la relación exclusivamente contemplativa y estética, que expresa con imágenes su pasión por el teatro de la vida.
“Animal lámina” no pretende descubrir el mundo como en los cuartos de maravillas o gabinetes de curiosidades, esos lugares donde los nobles y burgueses europeos de los siglos XVI,XVII, XVIII coleccionaban y exponían objetos exóticos. Esta exposición refleja la acumulación donde se mueve Isidro Ferrer (Madrid 1963), su particular reino animal, un reino que surge de la actitud mecánica del hacer, de las vivencias infantiles y el hacer desinhibido.
“Al recopilar los dibujos y las piezas que componen esta exposición me he dado cuenta que con los años mi universo gráfico se ha ido poblando de una fauna excéntrica y omnipresente que gana en volumen y relevancia.”
Isidro Ferrer
SET ESPAI D’ART. Solastalgia. Diana Lelonek. Hasta el 30.07
La artista Diana Lelonek presenta una serie de fotografías en las que se retrata la condición caduca de la hiperproducción y el consumo y su impacto en la naturaleza. Sin embargo, estas fotografías no retratan una naturaleza devastada sino la capacidad de la naturaleza de sobreponerse a la catástrofe y enraizar una esperanza para su supervivencia.
ACTIVIDADES. Charla “La relación de Arte+Artesanía+Diseño” con Manolo Martín. 10.06 a las 19:00h
SHIRAS GALERÍA. El tiempo suspendido. Carlos Sebastiá. Hasta el 17.06
Echando mano de técnicas diversas (dibujo, imágenes impresas y objetos), entre las que la pintura y el collage constituyen la base de actuación, Carlos Sebastiá va más allá de los dilemas que contraponen abstracción y figuración para cuestionar los propios procesos de construcción de la imagen. Una imagen que llama a la memoria como un espacio dudoso en el que se afianza una realidad movediza, aquella en la que se desdibuja la identidad contemporánea
GALERÍA VANGAR. La repetición. Pol Pinto. Hasta el 25.06
Pol Pintó recurre al movimiento como una posibilidad de acción y reacción parmente ante lo que vemos. En la exposición La repetición, el artista aborda, desde los parámetros de lo reductivo que viene de la conjunción del minimal y la abstracción, una serie de lienzos y papeles en los que extremalimita la fijación del gesto y la línea. Una actuación dispuesta a generar tensiones en el apacible el mirar de las cosas.
http://galeriavangar.com/pol-pinto
Pol Pintó explora las infinitas posibilidades de la acción y en cómo esta deja su rastro en el mundo. Del legado del movimiento nace su obra, caracterizada por la abstracción, el minimalismo y la austeridad. Una extensión de su interés por cuestiones relacionadas con la tensión, el espacio y, sobre todo, la búsqueda de lo primario. Para ello siempre usa como herramientas objetos poco convencionales y, a menudo, aparentemente mundanos. Del contacto o fricción de estos es de donde salen los trazos expresivos que protagonizan sus pinturas, dejando poco espacio por la intervención humana y abrazando la aleatoriedad que conlleva cualquier tipo de movimiento. “Siempre trabajo a partir de la acción y en cómo esta deja su rastro en el mundo. Del legado del movimiento nace mi obra: siempre abstracta, sobria y austera. Los inicios de mi práctica artística se remontan en el arte urbano. Su naturaleza, libre y sin filtros, fuera del circuito comercial y sin afán conceptual, marcó profundamente la evolución de mi trabajo. En este entorno, la velocidad deviene esencial. Hacer frente a ella es lo que me obligó a alejarme de mi obsesión por la perfección y tener que buscar otro tipo de herramientas para poder agilizar mi trabajo. Así fue como descubrí el tiralíneas, un instrumento muy utilizado en construcción e ingeniería para trazar líneas rectas. Con él, más allá de poder desarrollar mis contundentes geometrías, descubrí todos los demás matices que le aportaba a mi obra: expresividad, inconstancia, aleatoriedad. Error, incluso. Además, poseía unas claras connotaciones que a día de hoy siguen definiendo mi sello: la austeridad y esa continua búsqueda de lo primario”.
GALERÍA JORGE LÓPEZ. Monumento. Matías Ercole. Hasta el 17.06
Matías Ercole presenta una visión en la quimérica construcción de un paisaje. Monumento constituye toda una declaración de intenciones en el deseo de divisar lo insondable. En sus grandes lienzos empapelados se da cita una variada iconografía que asoma de un paisaje siempre de fondo sobre el que se asienta la deformación de lo natural. Se trataría de una pintura episodial, entendida como un gran espacio escenográfico en el que interviene tanto la formalidad del futurismo como la perplejidad del surrealismo.
https://www.jorgelopezgaleria.com/main#ExpoMatiasErcole
Monumento es la prolongación de las muestras precedentes de Ercole: Re, Visión (2019), en la galería de arte Munar de Buenos Aires, y Futurismos (2021), en la Casa Argentina en Roma. Pero esta continuidad no proviene de la mera cronología: es una indagación poética que extrae consecuencias de cada fase. Los paisajes -los insondables paisajes- de Re, Visión tenían dos capas de tiempo en el mismo plano: el presente de la representación y sus reminiscencias, la evidencia de lo representado y la implicación (a la manera de signo) de una ausencia.
Esa existencia dúplice persiste en Monumento, aunque de un modo, se diría, máslaberíntica. La luz sigue siendo el personaje por excelencia de los trabajos de Ercole.Pero, como si se tratara de una Bildunsgroman, ese personaje tiene su propio desarrollo, su propio Dédalo: encuentra ahora el color en sí mismo. En palabras del artista, “el color nace del elemento lumínico que estaba siendo evocado”. Como quien descubre algo en sí que de lo que está orgulloso, el color descubierto en la luz (y por la luz misma) no se esconde en un colorismo tímido. El descubrimiento quema. Los colores de Ercole son ahora rojo, amarillo, naranja, la completa coloración imaginaria del fuego.
El lapso romano de Ercole tuvo sus consecuencias, que empiezan ahora a verse. Ya en Futurismos la luz de Giacomo Balla proyectaba sus sombras. Fue ahora Antonio Ligabue, su descubrimiento, quien le dio sanción al desafuero cromático. Pero el color no viene de afuera. En los papeles sobre tela de Ercole, las tintas se solapan, el color no queda insepulto, sino que es cubierto para que resucitar.
“La luz mía”, como la llama Ercole, es ahora una luz trastornada, una luz de color. La alquimia del artista consigue que la materia se convierta en una alegoría espiritual. Los frisos y, sobre todo las cerámicas, en su purísima materialidad, son, por el engobe del ceramista Ercole, espiritualizadas por las trazas de la ruina romana, que son las trazas troyanas. La antigüedad reinventada es espiritual porque vive de lo que no está.
El monumento es todo aquello que quiere recordar o que quiere perpetuar el recuerdo de lo recordado. Cicerón en las Catilinarias les decía a los quirites que, más que en el monumento, el triunfo era vivir in animis vestris, “en el alma de ustedes”. Pero la obra de arte, para vivir en el alma, necesita de la materia, no importa si esa materia es tiempo o es espacio.
Las pinturas de Ercole, en esta nueva pero consecuente condición monumental, devienen arquitectura. Como si la arquitectura fuera un despliegue literal de la pintura, de modo que el observador no contemple ya la pintura en cuanto algo exterior a él, sino que la vea desde dentro.
Lo que se despliega es, además, una precedencia, eso que Aby Warburg llamó Pathosformel, tan manoseada ya fórmula de la pasión, y que Borges quiso nombrar “precursores”: una anticipación que se advierte tardíamente. Pero la genealogía de Ercole, por imposible que parezca, no tiene historicidad. Se nos presenta de un golpe.
La única historia es la del rayo. Un caso es el del Éxtasis de Santa Teresa, de Bernini. Ercole retiene los rayos. Al someter al modelo a semejante ablatio, Ercole aísla la materialidad de la luz; es decir, aísla lo inmaterial. Es muy probable que pueda entenderse de este modo la reunión de esas representaciones tan disímiles de una única experiencia, la experiencia única del éxtasis.
Pablo Gianera
La Mercería. Scapeland. Pedro Kouba. Hasta el 17.06
En el proyecto Scapeland, Pedro Kouba presenta una de las obsesiones que ocupan su pintura en los últimos años: la crisis del ver. Para ello recurre a un tipo de pintura en la que la figuración lo llena todo, hasta perderse de vista. Envoltorios, plásticos y cintas adhesivas ciegan la posibilidad de ver más allá y, de este modo, lo que se ve, y la imagen a la que llama, nos sitúa en un espacio de incertidumbre que obligándonos a abrir los ojos para paralizar la celeridad a que nos somete las formas de comunicación contemporánea.
Nos vemos inmersos en una suerte de estratificación visual, en la que lo anecdótico construye un nuevo horizonte falto de profundidad, que ha pasado a situarse en la yema de nuestros dedos.
La pintura como cartografía de un territorio físico que acota el campo visual, como si de una pantalla se tratase, en la que conviven diferentes escenarios que se superponen y anulan, interpelando la legibilidad de lo que tenemos delante y haciendonos dudar sobre aquello que creemos conocer, construyendo así nuestra ‘verdadera’ visión del espacio. ‘Scapeland’.
Galería Thema. Un discurso fuera de contexto. Eugeni Simó y Ángel Celada. Hasta el 02.07
La exposición Un discurso fuera de contexto pone en relación las obras de Eugeni Simó y Ángel Celada recurriendo al cuestionamiento de las formas de comunicación contemporánea. Por una parte, Eugeni Simó recurre a la forma cuadro para presentar una serie de impresiones que delinean, no sin ironías, la arquitectura moderna como un artificio de la comunicación. Por su lado Ángel Celada presenta una serie de decollages como una forma de barrido de las calles de una ciudad sepultada por todo tipo de imágenes y eslóganes, en los que el ruido visual lo tapa todo.
https://www.galeriathema.com/index.html
